Ta del av mina tankar kring konst i allmänhet eller något särskilt verk / någon särskild konstnär i synnerhet. Jag tar gärna del av dina synpunkter. Skriv i kommentarsfältet längst ned på sidan.

Bloggen är öppen för gästbloggare.

Konst och inredning

11 jul 2019

Konst har fascinerat oss människor under mycket lång tid. Det finns grottor inredda med konst som vittnar om det. Vi ska dock inte dra slutsatsen att konst påverkar oss på liknande sätt. Det finns de som mår bättre av att ha konst runt omkring sig och sämre när de blir berövad konst medan andra inte påverkas alls. Det finns de som behöver få skapa konst med jämna mellanrum medan andra inte har något sådant behov alls. Av dem som älskar konst vill vissa har starka färger och andra vill ha milda färger, vissa vill ha figurativ konst och andra vill ha abstrakt konst, vissa vill ha mycket konst eller stora konstverk medan andra föredrar konst som små detaljer i rummet.

Att ge råd om konst och inredning är av förklarliga skäl väldigt svårt. Vissa försöker, som på sajten alltdetbästa.se, och jag tänker också göra ett försök. Som jag ser det finns det två grundprinciper.

1. Vissa människor älskar mustiga saker som en mörk soffa av skinn, ett mahognybord eller textilier (t.ex. sammet) i blodröda toner. När en sådan person går ut på ett galleri är det inte oväntat om personen ser ett konstverk i mustiga färger och tycker om det. Som konstverk betraktat kan det vara ett fantastiskt verk. Som inredningsdetalj kan den göra rummet väldigt tungt. Människor som tycker om mustiga möbler tjänar på att ha ljusa konstverk. Man kan tänka sig konstverket som ett extra fönster i rummet. Därför passar landskapsmålningar med mycket himmelsblått bra.

2. Vissa människor tycker om det ljusa och stilrena rummet. Möbler, mattor, bord och gardiner går alla i vitt, ljusgrått, ljusbeiged eller möjligtvis ljusgult. Inget inslag av trä får vara mörkare än ek. I ett sådant rum behövs några saker för att ge lite liv åt rummet. Risken är annars att det känns för sterilt. Ett sådant rum upplevs inte som särskilt hemtrevligt. Vad man behöver göra är att ha kuddar med lite glada färger i soffan, lite färgglada växter och färgglad konst på väggarna. Som alternativ, om man vill ha annat än inglasad konst som också kan kännas lite kallt, är textil konst.

Mauritz Karström

28 jun 2019

När jag bodde i Göteborg hade jag ofta vägarna förbi Galleri Scandinavia. Särskilt de sista åren då jag hoppade av spårvagnen vid Berzeliigatan och gick hem den sista kilometern. Galleri Scandinavia ligger precis vid hållplatsen så jag hade för vana att titta in genom skyltfönstret eller gå in om det var öppet. Här kunde jag finna målningar av några av mina absoluta favoriter som t.ex. Bengt Lindström.

En dag när jag kom in fanns där två nya målningar. En av dem var slående i sin uttrycksfulla stil. Jag tänkte omedelbart på Bengt Lindström då oljan var påstruken i tjocka lager. Motivet var dock något olika Lindström. Vem hade gjort denna målning?

Jag hade för första gången i mitt liv stött på en målning av Mauritz Karström. Det visade sig att även den andra nya målningen i galleriet var av Karström. Den var dubbelt så hög som den var bred och målad med blandade material. Det såg i grunden ut som en akvarell som hade inslag av olja (och/eller pastell). Karström använde gärna akvarell, pastell och olja. Ofta var för sig men ibland mixat. På den större målningen trädde ansiktet av en alienliknande figur fram. Jag har i efterhand förstått att det kan ha varit ett självporträtt vilket han ofta gjorde.

Textila konstverk

25 jun 2019

Jag fortsätter i ett liknande spår som mitt föregående inlägg, med textil konst. Det föregående inlägget handlar om textila tryck medan detta handlar om vävd konst.

På en av våra väggar hänger en bonad som kanske föreställer chilifrukter i olika färger. Jag skriver "kanske" för att jag inte är säker på om det är meningen att det ska föreställa något eller om det bara är former som påminner om chilifrukter. Poängen är att formen, den är smalare i ena änden och vanligtvis lite krokig, inte utgår ifrån räta linjer utan ifrån svängda linjer. Alla som har sett en vävstol vet att varpen med rätlinjiga trådar går på tvären med de trådar man för fram och tillbaka med hjälp av en skyttel. Alltså är grunderna för vävning räta linjer både horisontalt och vertikalt. Det är ett konststycke i sig att väva snett och kurvigt kan man säga.

Just vår bonad med former som liknar chilifrukter är gjord av Gerd Allert. Hon var, då hon avled 2010, en konstnär som använde sig av handarbetstekniker. Hon gjorde textil konst och var en av de främsta i Sverige. Jag vill i detta inlägg visa upp några av hennes främsta konstverk. En del hänger i kyrkor och har varit svåra att fotografera så jag får nöja mig med de som ser bra ut på bild.

Från sina inre bilder skapade hon verk som både ger andra en känsla av innerlighet och förundran samtidigt som skapelseprocessen fungerade som en rening för henne själv. Det är ett mycket tålmodigt tillvägagångssätt att omvandla sina inre bilder med hjälp av vävteknik som tar så lång tid att framstå i sin helhet.

Textiltryck som konst

22 jun 2019

För mig som främst gillar konstnärer som har ett yttryck som avsiktligt påminner om barns måleri är steget ganska kort till textiltryck på barnkläder. Flera märken har valt tryck som har både en konstnärlig känsla och har gjorts av barn. De riktigt stora märkena försöker dock att efterlikna barns måleri. Jag har särskilt uppmärksammat några märken som jag vill ta upp kort.

Cassandra Rhodin är vid det här laget sveriges mest kända kläddesigner för barn. Hon startade företaget mini rodini 2006 och det etablerade sig snabbt som klädmärket med de egensinniga figurerna. Märket fick också en fanskara som är så hängivna Rhodins stil att de är villiga att betala mer för ett begagnat plagg än det kostade som nytt. Detta är ett tecken på det konstnärliga värdet och hur det utvecklas i linje med annan uppskattad konst. Idag är märket känt över hela världen och många skådespelare och artister uttalar sig öppet om att de gillar mini rodini.

Graphic recording - realtidsillustrering

12 jun 2019

För ungefär tio år sedan blev det populärt med förläsningar som illustrerades under tiden föreläsaren talade. Två personer som använde sig av detta var Ken Robinson och Daniel Pink. Den förste talade om kreativitet och den andre om motivation. Trots att vi då helt hade gått över till digitala visuella tekniker kändes dessa illustrationer som gjordes för hand, alltså i allra högsta grad analoga, som nyskapande.

För tio år sedan var illustrationerna uppspeedade så att man kunde se ganska utvecklade bilder och texter samtidigt som man hörde föreläsarens röst. Det var med andra ord inte helt i realtid. Upplevelser för tittaren är i realtid, d.v.s. att röst och bild är synkroniserade. Numera finns det duktiga illustratörer som ritar i realtid medan föreläsaren talar. De står tillsammans på en scen och bidrar till var sin del av föreläsningens innehåll.

Dessa realtidsillustratörer kallas för graphic recorders. Det de utför kallas graphic recording. Graphic recording är en särskild form av konst som i mycket går helt i motsatt riktning mot t.ex. oljemåleri. Att måla med olja tar ofta lång tid. Konstnären kan känna efter, ändra och lägga till. En graphic recorder måste omvandla det som sägs i nuet till bilder omgående. Inget kan begrundas eller ändras. Man får en chans och den ska omsättas direkt.

Föreläsaren Hasse Carlsson arbetar tillsammans med realtidsillustratören Frida Adamsson. När han talar illustrerar hon. Det finns ett videoclip där Hasse intervjuar Frida för att få reda på hur Frida tänker när hon illustrerar. Hon beskriver det som att hon försöker fånga de centrala begreppen och använde dessa i både ord och bild i sina illustrationer. Du som är intresserad kan läsa mer om deras samarbete på hasseochfrida.se.

Ångestfylld konst

12 maj 2019

Som jag ser det är en av konstens funktioner att vara evokativ, d.v.s. väcka tankar och känslor. Vissa personer vill tänka lättsamma tankar och känna glada känslor i relation till konst. Andra vill vältra sig i den ångest konsten ger upphov till. Sedan finns det naturligtvis tillfällen då man är mer mottaglig för en positiv känsla och andra tillfällen då man är mer mottaglig för en negativ känsla. Varje individ har ett mångfacetterat känsoregister. Det återspeglar sig i hur man njuter av konst.

Jag hör till de konstälskare som vill kunna njuta av hela registret beroende på vilken känslostämning jag är i för stunden. Det betyder också att jag inte har något emot ångesfylld konst och inte heller djupt substantiell konst som har flera lager. När jag pratar om konst i detta sammanhang tänker jag mig flera konstformer som musik, dans, opera, teater, film, fotografier, tavlor och skulpturer. Alla är de kapabla att väcka tankar och känslor i alla riktningar. Jag kommer ändå att fokusera på konst i form av tavlor och särskilt de ångsfyllda verken.

Ett av historien mest kända verk som är full av ångest är Guernica av Pablo Picasso. Tavlan illusterar en scen ur det spanska inbördeskriget när tyskt flyg bombade den lilla staden Guernica i Baskien. Han gjorde verket 1937.

Enrico Baj

29 mar 2019

Konstnären och mångsysslaren Enrico Baj hör inte, i mitt tycke, till de stora mästarna men han har ett unikt bidrag som bör lyftas. Det handlar om en målare, grafiker, skulptör och författare. Hans författarskap inkluderar litteratur om konst och då särskilt skrifter om avantgarde. Under en tid hade han nära samarbete med författaren och semiotikern Umberto Eco (skrev bl.a. Rosens namn). Precis som avantgarde-rörelsen var Baj en person som ville experimentera, bryta mönster och prova nytt.

Enrico Baj föddes 1924 i Italien. Han tvingades lämna landet som tjugoåring efter att ha irriterat myndigheterna. Den tidiga konsten var icke-figurativ med kopplingar till surrealism och dadaism. Han fortsatte sin stilmässiga utveckling när han startade en rörelse mot kärnvapen 1951. Detta ledde till ett tematiskt fokus på krig och det militära. Inte för att han gillade det utan för att han var ytterst kritisk.

Konst och kreativitet

19 mar 2019

När man tänker på kreativitet verkar många associera kreativitet med å ena sidan uppfinningar eller uppfinnare och å andra sidan konst och konstnärer. Det är väl helt klart så att kreativitet kan relateras till en mängd andra aspekter och yrkeskategorier. Kreativitet som fenomen har ingen särskild tillhörighet. Vi kommer ändå inte ifrån att konst kräver kreativitet.

Jag ska inte diskutera vad konst är men gärna vad kreatitivet är i allmänhet och kreativitet i relation till konst i synnerhet. Kreativitet kan beskrivas på två sätt:

  • En smal definition
  • Ett mångsidigt fenomen

Konsthistorians början - grottmålningar

17 mar 2019

För den som vill kunna sin konsthistoria bör man känna till dess ursprung. De äldsta bevarade målningarna på denna planet är grottmålningar från Afrika, Asien, Europa och Australien. Dessa väggmålningar ger oss en idé om vad det innebär att skapa konst, hur det kan gå till och delvis varför. Flera stora 1900-talskonstnärer har under sin verksamma tid undersökt konsthistorians rötter för att hitta något primalt i sin egen konst. Urkraften i konsten eller urkonsten. Joan Miró är ett bra exempel på detta. Han lät sig influeras av grottmålningar under en period, både vad gäller val av färg, målningsteknik och motiv.

Det äldsta figurativa konstverket arkeologer känner till hittades i södra Namibia på gränsen till Sydafrika. Det föreställer ett kattdjur, kanske en gepard, på en stenskärva som har deltas i två. Det rör sig alltså inte om en målning på en grottvägg utan en målning på en sten som blev funnen i en grotta. Denna målning har efter flera dateringsförsök slutligen fastställts till 73 000 år gammal. Grotta fick namnet Apollo 11 då den arkeolog som hittade fynden samtidigt fick höra besked om den lyckade uppskjutningen av Apollo 11. Vad lokalbefolkningen kallar grottan är oklart.

 

Det näst äldsta konstverket är svårbestämt. Det finns en grottmålning i Australien som är minst 40 000 år gammal, två målningar i Indonesien där båda är 40 000 år gamla eller äldre och en grotta i Spanien där målningarna är ungefär lika gamla.

Varför blir man konstsamlare?

17 mar 2019

Svaret på frågan varför man blir konstsamlare är nog väldigt individuell. Jag ska berätta varför jag blev konstsamlare.

Som jag har skrivit på andra sidor på denna sajt har jag haft ett konstintresse länge. Det har tagit fart genom mina två senaste sambos. Var och en bidrog på sitt vis genom att inspirera mig.

När jag började gå på konstmuseer och konstgallerier fick jag en mer direkt upplevelse samtidigt som jag lärde mig mer om konst och konsthistoria. Jag tittade mycket på dokumentärer om konst och konsthistoria.

Den avgörande skillnaden som gjorde mig till samlare av konst var en större tillgång till kapital. Att samla på konst är en dyr hobby så pengar är naturligtvis avgörande. Det första verket i samlingen var dock en gåva, en litografi, som jag fick vid min disputation. Efter det började jag fördjupa mig allt mer kring vilken smak i konst jag hade och har.

Ett tag nöjde jag mig med att ha posters av mästerverk i en snygg ram. Inte så dyrt. Detta var en snabbt övergående fas. Jag besökte gallerier allt mer frekvent. Lärde mig om samtida konstnärer, både svenska och internationella. Slutligen vågade jag köpa några litografier av stora mästare som följdes upp av att jag köpte några original av svenska samtida konstnärer.

 

 

 

kulturbloggar.nu